Benjamín Palencia

Benjamín Palencia no solo nació en Barrax, Albacete, en 1894; nació de la propia tierra que más tarde esculpiría con sus pinceles. Su llegada a Madrid siendo apenas un adolescente marcó el inicio de una de las trayectorias más singulares del arte español. Bajo la protección de Juan Ramón Jiménez, Palencia comenzó a destilar una visión del mundo que se alejaba del costumbrismo rancio para abrazar la pureza de la forma. En la Fundación Esteban Berlanga, entendemos su obra como el puente definitivo entre la tradición telúrica de la Generación del 98 y la audacia de la vanguardia europea.

Sus primeros años en la capital fueron de un aprendizaje voraz. El Museo del Prado se convirtió en su verdadera academia, donde los grises de Velázquez y la violencia gestual de Goya sembraron las semillas de lo que sería su estilo maduro. Sin embargo, Palencia nunca fue un copista. Su interés residía en la «materia». Para él, el óleo no era solo pigmento, era barro, era polvo de camino, era la sustancia misma de la existencia. Esta fijación por lo táctil lo llevó a experimentar con arenas, tierras y texturas que anticiparon en décadas las investigaciones del informalismo posterior.

La relación de Palencia con la historia de España es indisoluble de su geografía. Mientras Europa se debatía entre el cubismo y el surrealismo, él buscaba una vía española hacia la modernidad. Esta búsqueda no era nacionalista en un sentido político, sino existencial. Se trataba de encontrar la estructura ósea de Castilla, sus aristas, sus luces cegadoras y sus sombras dramáticas. En sus bodegones de esta época, los objetos parecen levitar en una atmósfera de quietud metafísica, recordando la herencia de Zurbarán pero con una limpieza de líneas que solo el siglo XX podía ofrecer.

A finales de la década de los años 20, Palencia ya era una figura central en la escena artística madrileña. Su estudio era un hervidero de ideas donde se cruzaban poetas de la Generación del 27 como Alberti o Lorca. Fue en este caldo de cultivo donde maduró su gran proyecto: la Escuela de Vallecas. Junto al escultor Alberto Sánchez, Palencia emprendió caminatas kilométricas por los cerros de Vallecas, buscando la «pintura del aire y de la tierra». No buscaban el paisaje pintoresco, sino la esencia de lo humilde, la belleza de un cardo o la curva de una loma calcinada por el sol.

El encuentro entre Benjamín Palencia y Alberto Sánchez en 1927 es uno de los hitos más fascinantes de la historia del arte español. Ambos compartían un origen humilde y una desconfianza innata hacia la retórica burguesa del arte. Su «Escuela de Vallecas» no tenía aulas; sus clases eran el caminar y el mirar. En los áridos paisajes de Madrid, descubrieron una forma de abstracción que no era matemática, sino orgánica. Palencia comenzó a pintar formas que parecían huesos, raíces o extraños seres biomórficos habitando planicies infinitas que se perdían en el horizonte.

Este surrealismo de Palencia es único. Mientras en París se exploraban los sueños y el psicoanálisis, Palencia exploraba la prehistoria del alma española. Sus cuadros de este periodo tienen una cualidad visionaria; parecen mapas de un mundo recién creado o de un mundo que ha sobrevivido a un apocalipsis de luz. El Proyecto ART destaca esta etapa por su capacidad para convertir lo local en universal. Un cerro de Vallecas, bajo su mirada, se convierte en un símbolo cósmico de la resistencia humana, un recordatorio de que la belleza sobrevive en lo más inhóspito.

Benjamín Palencia falleció en Madrid en 1980, dejando tras de sí una obra inabarcable y un vacío difícil de llenar. Su generosidad lo llevó a donar una parte sustancial de su producción al Museo de Albacete, convirtiendo a su tierra natal en un centro de peregrinación artística. Su influencia reside en cómo nos enseñó a mirar nuestro entorno: ver la belleza en la aridez, el color en el polvo y la poesía en lo cotidiano.

Desde el Proyecto ART, reivindicamos su figura como un modelo de integridad. Su pintura nos enseña que la verdadera innovación viene de profundizar en las raíces hasta tocar lo universal. La elegancia de su trazo es hoy más necesaria que nunca, en un mundo digital que a menudo olvida la importancia del contacto físico con la materia.

La historia del arte español no puede escribirse sin él. Fue el nexo de unión entre los grandes maestros del Prado y la libertad de la vanguardia. Al contemplar sus paisajes, no solo vemos campos y cerros; nos vemos a nosotros mismos, nuestra historia y nuestra capacidad para crear orden y belleza a partir del caos.