En el panteón de las grandes obras de arte del siglo XIX, pocas piezas han logrado capturar la esencia de una época con la precisión y el lirismo de Giselle. Estrenado el 28 de junio de 1841 en la Ópera de París, este «Ballet-Pantomima» marcó el cenit del Romanticismo, un periodo donde la razón cedió su trono a la emoción, el misticismo y la fascinación por lo inalcanzable. Como bien se analiza en el excelente trabajo de investigación de Julia Ruiz, Giselle no es solo una historia de amor traicionado; es un estudio antropológico sobre la redención y la fuerza del perdón que trasciende la tumba.

Giselle nació de la colaboración de mentes brillantes: el libreto fue concebido por Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges, inspirándose en una leyenda eslava recopilada por Heinrich Heine sobre las «Wilis», espíritus de novias que mueren antes de su boda. La música de Adolphe Adam y la coreografía original de Jean Coralli y Jules Perrot crearon un lenguaje que todavía hoy se considera el estándar de oro de la danza clásica.

El origen de Giselle es fascinante. Gautier, tras leer «De l’Allemagne» de Heine, quedó cautivado por el mito de las Wilis. En su mente se dibujó la imagen de una muchacha que ama el baile tanto que su corazón no puede soportar la intensidad de su pasión. La colaboración con Saint-Georges permitió dotar a la obra de una estructura teatral sólida, dividiendo la pieza en dos actos radicalmente opuestos pero unidos por un hilo emocional inquebrantable.

El primer acto es el mundo de la realidad: el sol, las viñas de Renania, el color de los trajes campesinos y el latido de un corazón vivo. El segundo acto, el «acto blanco», es el reino de la irrealidad: la luna, la niebla, el frío mármol de una tumba y el latido de un alma que se niega a dejar de proteger a quien ama. Esta dualidad es lo que hace que Giselle sea el desafío definitivo para cualquier bailarina principal, exigiendo una transición actoral que va desde la inocencia campesina hasta la etérea espiritualidad de un fantasma.

La acción se sitúa en una aldea de Turingia. Giselle es una joven campesina de salud delicada pero espíritu alegre, cuya mayor pasión es bailar. Está enamorada de Loys, a quien cree un humilde campesino, sin saber que en realidad es el Duque Albrecht de Silesia, quien se ha disfrazado para cortejarla. Hilarion, el guardabosque locamente enamorado de Giselle, sospecha de Loys y, movido por los celos, descubre su verdadera identidad al hallar su espada de noble.

El momento culminante llega durante la fiesta de la vendimia. La llegada de la corte, incluyendo a Bathilde (la prometida oficial de Albrecht), precipita la tragedia. Hilarion revela la verdad mostrando la espada. Giselle, incapaz de procesar la mentira y con el corazón roto, cae en una de las escenas más icónicas de la historia del ballet: la escena de la locura. Con el cabello desatado y la mirada perdida, rememora los pasos de baile compartidos con Albrecht antes de morir en brazos de su madre, Berthe.

A medianoche, en un claro del bosque junto a la tumba de Giselle, aparecen las Wilis. Estas criaturas, lideradas por la implacable Myrtha, son espíritus vengativos que obligan a cualquier hombre que se adentre en su bosque a bailar hasta morir de agotamiento. Hilarion es el primero en sucumbir a su castigo.

Albrecht llega a la tumba, abrumado por el remordimiento. El espíritu de Giselle aparece ante él. A pesar del dolor causado por su engaño, el amor de Giselle es puro y decide protegerlo. Cuando Myrtha ordena a Albrecht bailar, Giselle baila con él, dándole fuerzas y sosteniéndolo hasta que las primeras luces del alba aparecen. Con el amanecer, el poder de las Wilis desaparece. Giselle se despide de su amado y regresa a su tumba, habiendo salvado la vida de Albrecht y perdonado su traición a través del amor eterno.

Como se detalla en el documento de Julia Ruiz, la profundidad de los personajes de Giselle permite múltiples interpretaciones, haciendo que la obra siga siendo relevante después de casi dos siglos.

La riqueza de Giselle reside en sus símbolos, elementos que el espectador percibe a menudo de forma inconsciente pero que dotan a la obra de su atmósfera mística. Basándonos en el análisis de Ruiz, destacamos:

• Las Margaritas: En el Acto I, el juego del «me quiere, no me quiere» no es solo un pasatiempo; es una premonición. La margarita deshojada simboliza la fragilidad de las promesas de Albrecht y la vulnerabilidad de Giselle.
• La Espada: Representa la verdad dolorosa y la división de clases. Cuando Hilarion presenta la espada, rompe la ilusión de Loys el campesino. Es el metal frío que destruye el sueño cálido.
• La Cruz: En el Acto II, la cruz de la tumba es el único refugio de Albrecht. Simboliza la fe y la protección divina que impide que las Wilis lo toquen mientras permanezca a su lado.
• Los Lirios: Símbolo de perdón y resurrección. Giselle a menudo porta o es rodeada por lirios blancos, representando su transición a una pureza espiritual que ya no puede ser herida.
• El Color Blanco: El famoso «Ballet Blanc». No es el blanco de la boda, sino el blanco del sudario y la niebla. Es la ausencia de color de la vida, el reino de la nada y el espíritu.

Giselle consolidó el uso de las puntas como una herramienta expresiva y no solo técnica. La bailarina que interpreta a la Giselle espíritu debe dar la impresión de que sus pies no pesan, de que se desliza por el aire (el famoso ballon romántico). El estilo requiere hombros ligeramente caídos hacia adelante, una inclinación delicada del cuello y brazos suaves que evocan la fluidez del agua o del humo.

La escena de la locura merece una mención especial. A diferencia de otras escenas técnicas, aquí el foco es el realismo dramático. La coreografía se descompone, Giselle imita pasos anteriores de forma errática, rompiendo la «perfección» para mostrar la fractura de su mente. Es uno de los retos interpretativos más grandes de cualquier bailarina.

El rol de Giselle ha sido la vara de medir para las mejores bailarinas de la historia. Carlotta Grisi, la creadora del papel, enamoró a París con su ligereza. Posteriormente, figuras como Anna Pavlova y Tamara Karsavina aportaron un misticismo nuevo.

Sin embargo, para el público hispanohablante y tal como destaca el documento adjunto, la figura de Alicia Alonso es ineludible. Su interpretación de Giselle es legendaria por su rigor técnico y su profunda comprensión psicológica del personaje. Alonso convirtió a Giselle en el emblema del Ballet Nacional de Cuba, demostrando que esta obra europea podía encontrar una nueva alma en el Caribe. Otras intérpretes como Natalia Makarova, Carla Fracci o más recientemente Marianela Núñez, han seguido manteniendo viva la llama de este espíritu del bosque.

En el análisis cronológico, es vital entender cómo la obra sobrevivió gracias a la preservación de Marius Petipa en Rusia a finales del siglo XIX. Fue él quien refinó los pasajes del segundo acto, convirtiendo el cuerpo de baile de las Wilis en una coreografía geométrica y espectral que hoy consideramos definitiva. Sin las revisiones de Petipa en San Petersburgo, es probable que Giselle hubiera caído en el olvido como tantos otros ballets de su tiempo.

Hoy en día, Giselle sigue siendo una obra de una modernidad sorprendente. Sus temas de diferencia de clases, salud mental y la ética del perdón resuenan con fuerza. Cada vez que el telón sube y vemos a Giselle salir de su cabaña, asistimos no solo a un ballet, sino a la eterna lucha del espíritu humano por encontrar la luz incluso en la oscuridad más profunda del bosque.